我的音乐故事：Yoshiki

《音乐的故事》——1“The Age of Discovery”将西方音乐的历史定格在古老的石器时代到巴洛克时期歌剧的诞生，重点讲述了这一段历史时期中有关音乐的重要“发现”事件。正如第一集的标题“The Age of Discovery”所示，这一集音乐的讲述围绕着“发现”一词展开，向我们展现了音乐从无到有，从简单到丰富的过程。这是一个发现的时代，是西方宗教音乐与世俗音乐产生的时代，是作曲家们对和声不断进行探索和发现的时代，是记谱法诞生的时代，是乐器被不断创造与改良的时代，也是各种音乐体裁诞生的时代。

这部纪录片有意地避免了专业术语化的语言，运用古典乐与流行乐相结合的新颖叙述方式，由英国作曲家、音乐史学家、电台解说Howard Goodall主持讲解，在他风趣幽默讲述的过程中，观众的直观感受更像是在听故事，而非学习教科书式的音乐史。让我惊喜的是，纪录片从一开始就以弦乐版本的Lady Gaga <poker face>引出。

Howard Goodall的讲述从公元前32000年的法国肖维岩洞中的石器壁画开始，骨哨、骨笛以及丹麦出土的卢尔号证明了音乐早在旧石器时代和部落文明的仪式中扮演着重要的角色。在此之后，古希腊与古罗马的音乐活动为西方音乐文明打下了基础，虽然那个时期的音乐大多已无法重现，但在历史长河中，它们仍旧占据着重要的地位。

格里高利圣咏的出现将我们的视线拉向了漫长中世纪的宗教音乐，Howard Goodall通过生动的语言分析了格里高利圣咏是如何从简单的单声音乐一步步发展成为多声部的奥尔加农。首先，公元8世纪时人们在合唱队里加入一些小男孩，男孩们的歌声比成年男性高一个八度，由此发明了八度音阶。八度和声的唱法进一步激发了人们的创意，他们在演唱中加入非八度的音响，与原乐段的音高对应，从而产生了平行奥尔加农。此后，奥尔加农继续丰富发展出各式各样的变体，并产生了持续低音，复调音乐就是在人们天才般的想法中所诞生。公元9世纪时，一批大胆的音乐家把平行奥尔加农和持续奥尔加农搭配，由此发明了和声。

与此同时，记谱法在大约10世纪的诞生也彻底改变了早期音乐无法记录保存、只能靠记忆口传心授的状况。该纪录片介绍了纽姆谱、圭多的四线谱以及加入节奏的有量记谱法，详细说明了记谱法的诞生过程。Howard Goodall用巧克力豆模仿音符，并亲自示范了记谱过程，这对于观众来说是一个既有趣又易懂的视听体验。在此之后，法国作曲家佩罗坦在12世纪发明了四部和声与和弦，并首次记录了音乐节奏，发明了附点音符。

宗教音乐发展至此，世俗音乐也逐渐登上历史舞台。12世纪左右开创了游吟诗人的潮流，他们进行即兴弹唱的乐器很多在后来成为了世俗乐器的核心。

最早的八度音阶在中世纪时发展成纯四度和纯五度两种“纯洁音符”，14世纪末，和声取得了重大飞跃，约翰·邓斯泰布尔引入了三度音程，由此产生了整个西方音乐的“支柱”——三和弦。Howard Goodall将联系紧密的三和弦比作混合光谱中相近的颜色，并以著名灵歌<Amazing Grace>为例，向观众介绍了终止式，他用通俗易懂的语言告诉观众和弦功能是一定的规律所运用的。自此，三和弦便统治了音乐世界。

随着纪录片的讲述，音乐历史的发展已进入文艺复兴时期，小提琴问世，键盘技术也迅速发展。与纯器乐一同兴盛起来的是大批流行歌曲，教堂音乐中也开始加入世俗音乐元素，宗教音乐与世俗音乐逐渐融合。

若斯坎是历史上第一个赋予歌词无上地位的作曲家，他认为音乐要为发掘和表达歌词含义服务，纪录片以其创作的一首经文歌<Miserere Mei>为例，说明若斯坎在音乐创作中的突出贡献。

马丁·路德领导的宗教改革是文艺复兴时期的重要音乐文化内容之一，之后的欧洲是超过百年的宗教独裁和政治恐怖，16世纪临近时，宗教音乐渐渐失去在西方音乐历史中的统治地位，世俗音乐开始占据主流，作曲家们不再只局限于宗教题材的创作，而开始关注人与人的情感。

纪录片最后介绍的“发现”则是歌剧的诞生，巴洛克时期的音乐形式已经涵盖了神圣与世俗、器乐与声乐的不同风格，其中最有特色的便是歌剧这一体裁的出现。Howard Goodall重点介绍了蒙特威尔第在和声运用和复调合唱方面的创新与突破，以其第一部高质量歌剧《奥菲欧》作为结尾，在尼禄和波佩阿的二重唱<Pur Ti Miro，Pur Ti Godo>中结束了第一集的讲述。

在这部纪录片中，Howard Goodall讲述的不仅仅单纯的音乐，自音乐诞生以来，便一直与社会文化、政治、宗教等息息相关，从遥远的古希腊古罗马时期到漫长的中世纪，从追求人性解放的“新艺术”、文艺复兴时期到复调音乐高度发展的巴洛克时期，音乐历史上的每一次巨大变革与创新都能折射出其所处时代背后所产生的种种社会思想与内涵，我们学习音乐史的过程，也是一个从音乐角度了解整个西方社会文化的过程。历史是不断发展的，我也相信“发现的时代”永远不止于此。

第二集故事延伸到1650-1750年的各类音乐创造，这些创造使得巴洛克成为一个以器乐发展为巅峰的时期，管弦乐团开始发展，各类乐器不断改进发展，其中片中提到小提琴独占乐器鳌头。然而它为何可以在1650-1750这一个世纪中最为出彩， 我认为有以下几种原因： 1.小提琴的崛起得到统治阶级的欣赏 法国国王路易十四是芭蕾舞剧的狂热爱好者，而芭蕾舞的规模空前扩大，常在宫廷大厅和户外演出，小提琴的声音明亮锐利正适合空旷的场所，因此他为华丽的皇家芭蕾舞团请来了意大利专业琴手。能够得到统治阶级重视的乐器必然在之后发展的道路上会更加平坦，也更容易流传开来。因此，在之后一个世纪中它的发展相较于其他乐器来说更为迅速。 2.小提琴制作的繁荣 在这一时期内音乐发展迅速，因此需要大量的乐器来满足音乐的需求。小提琴的制作在这一时期最为优秀，甚至之后的制琴技艺都远不如当时。在巴洛克时期主要出现了三大制琴家族，瓜乃里、斯特拉迪瓦里和阿玛蒂家族。各个家族都采用手工制琴的方式，并想方设法为了满足音乐的需求来提升琴的音色，斯特拉迪瓦里琴以它特有的女高音音色享名于世，而瓜乃里琴更具有恢弘的音量及惊人的穿透力。这时期的小提琴不仅拥有良好的音色，同时外形也极为精美。例如安东尼·斯特拉迪瓦里的“海利埃”琴的琴首和侧板上装饰有漂亮而流畅的花纹，在为英国亲王特制的五把五重奏用的提琴上，都镶嵌了珍珠和象牙。由此可以看出，此时的小提琴制作工艺十分精巧，这也促使小提琴在各类乐器中占有独特地位。 3.小提琴作品的大量涌现 巴洛克时期内为小提琴所作的作品很多，例如最为著名的就是维瓦尔第的小提琴协奏曲《四季》，并附上标题“春、夏、秋、冬”，除此之外，维瓦尔第还创作了12首独奏小提琴曲和12首独奏小提琴协奏曲。在维瓦尔第之前还有科雷利，科雷利是具有超级技巧的小提琴演奏家，他的创作几乎只为弓弦乐器创作，而他创作的这些作品中几乎都脱离不了小提琴。例如作品第2号是为两把小提琴、大提琴或羽管键琴所作。

《音乐的故事》第二集——创造时代讲述的是公元1650年到1750年，音乐的发明与创造。这个时代见证了纯器乐的逐步崛起和管弦乐团的起源，音乐从小众娱乐走向大众盛事。创造时代里最为奇特的一点是科学的进步，这总能迅速应用于音乐的试验与革新。此阶段有着一系列突破性发现，例如和弦的规律，可供使用的和弦以及演奏和弦的乐器全部到位了，就像凑齐了一台精妙仪器的零件。这与钟表业飞速发展有这巨大的关系。创造时代的人们痴迷于齿轮和轮子间的互动，运动与重力以及对时间本身的理解，因此这一时期的音乐仿佛可以听到钟表指针的滴答声以及完美校准的齿轮在转动。

在这100年里，音乐经历了一次重大升级，依纪录片里讲述的，包括小提琴的崛起，现代管弦乐团的起源，交响曲的演变，协奏曲出现等，片中还强调了巴赫、亨德尔等优秀作曲家以及他们的音乐作品，其中巴赫的贡献更加突出。另我印象较为深刻的是讲解人提到钢琴的部分内容。据片中描述1700年发明了钢琴这种乐器，有了强弱音的对比，但片中并未对钢琴的前身——古钢琴进行介绍。这一时代讲述公元1650年到1750年的音乐事迹，因此只讲述钢琴的发声原理以及发明家是理所当然的。但笔者建议，讲解人应在上个纪录片中讲述一下16世纪产生的古钢琴，这样可以与此部影片中的钢琴内容衔接起来，也能让听众更好的感受钢琴这个伟大乐器的发明，也不容易使两者相互混淆。

与上部记录片的风格相同，讲解人依旧运用了古典乐与流行乐相结合的叙述手段。在影片开头，讲解人就引用Somewhere Only We Know(2004)这首深入人心的曲子进行说明，这首歌登上过英国金榜Top 3，是笔者至今仍旧非常喜欢的一首歌曲，从开头便引起了听众的听觉和视觉兴趣，这样讲解音乐知识的方式可以持续运用下去。

《音乐的故事》第六集《流行时代（The Popular Of Age)》，这是一个由广播开启的音乐时代，也是一个能让人们免费收听音乐的时代，音乐的价值、风格在这个时代被改变。20世纪，收音机和留声机为音乐的传播做出了巨大贡献，新录音技术也被发明，最重要的是，流行音乐占据了主导地位。 “在20世纪晚期，新创作的古典型歌剧就像鲟鱼子酱，师一种用濒危物种制成的昂贵产品，只是少数特权阶层的享受，大众根本无缘一见。”主持人这句话生动且恰当，20世纪初，为了古典音乐在流行音乐逐渐强势的时代能获得一席之位，先锋派古典音乐为了顺应时代变革将古典音乐进行改革，使前沿古典音乐变得粗糙和不协调，作曲家阿诺尔德·勋伯格、阿尔班·贝尔格和安东·韦伯恩等人开始放弃西方音乐固有创作技法，发明了一套新的作曲系统——“无调性”，也叫“12音”或“系列主义”。“序列主义”追求平等使用西式音阶中的每个音，任何音符都不能被视为曲子的重心。除了这一举动，古典音乐还进行了别的尝试，如放弃任何实际含义，追求“超现实主义”；与流行音乐合作，使自身的风格与商业潮流携手并进，代表作品20年代末的《三分钱歌剧》。 20世纪20年代是对于古典乐较为特别的年代，作曲家们将一些经典的音乐找出再用其它时期的创作风格进行模仿和恶搞，戏剧之王斯特拉文斯基在此期间找到了属于自己的风格，突破了荒诞的超自然主义和守旧模仿之风，为古典音乐找到了发展的新方向。1933年希特勒出任总理时，共产主义作曲家、犹太作曲家等作曲家的作品在第三帝国被称打上“堕落音乐”的标签而禁止传播，对这种纳粹文化政策，一些古典作曲家幸运的逃走了，少数人留下选择挑战。30年代，匈牙利现代主义艺术家贝拉·巴托克是古典音乐界最有名的持有不同政见的人，巴托克主动要求加入纳粹“坠落音乐家”名单，作为一种公开的嘲弄和羞辱。1941年，德军入侵苏联，斯大林突然选择与作曲家们联合，这时音乐的创作风向转为爱国主义，最具有代表性的作品是肖斯塔科维奇1942年三月首演的《列宁格勒交响曲》，献给正在遭受战争的家乡和人民。在美国，爱国主义音乐的形式与苏联的截然不同，为战争服务的不止流行音乐，如芭蕾舞曲《阿巴拉契亚之春》，它深受观众的喜爱，通过赞颂早期农业社区真诚、朴实的价值观，表达了对战争胜利的渴望。 进入50年代，新派音乐又选择了更奇怪的方向，比如以“发现声音”的名义创作整首曲子，以及靠丢硬币和看心情决定音乐走向，代表作品是约翰·凯奇1952年创作的的《4分33秒》。这一时期的美国音乐开始关注战后美国的社会现实，音乐剧《西区故事》由伦纳德·伯恩斯坦创作，斯蒂芬·桑德海姆作词，深受观众喜爱，在它诞生后的50年中，对作曲家影响颇深，填补了自1630年以来歌剧因为放弃通俗流行路线，而导致的的市场空白。接着电影院的出现，阻止了使即将要消亡的古典音乐。1938年，古典名家与电影天才出现第一次合作，电影《亚历山大·涅夫斯基》中由普罗科菲耶夫创作的震撼配乐。 纪录片的题目虽为“流行时代”，但古典音乐在整部纪录片中占据了较大的时长，似乎也可称之为“古典音乐20世纪夹缝求存”的励志故事，纪录片中主持人用了许多幽默又恰当的比喻，来阐述作曲家们对古典音乐的一次又一次的尝试，条理清晰，通俗易懂。

19世纪下半叶的音乐艺术狂热地迷恋死亡、宿命爱情与命运，甚至连流行的意大利歌剧都臣服于威尔第辉煌热烈的歌剧，未来属于美丽和被诅咒的一代。在柏辽兹与瓦格纳的手中，音乐变得愈发喧闹、愤怒、高傲和狂暴。

1850年到1900年间的音乐作品主题几乎都与死亡或命运有关。法国作曲家柏辽兹1830年创作的的《幻想交响曲》是这股死亡和命运热潮的起点。柏辽兹从混乱内心中宣泄出来的音乐证明了孤独和疯狂是作曲家的最佳资质。19世纪里，法国和德国的作曲家进一步发扬这种孤僻愤世的心态。

在歌剧领域中，19世纪的意大利作曲家威尔第也着迷与死亡与命运的主题，他在1853年创作的《茶花女》，在死亡与命运的主题之外加入了性元素，它的目标是让观众们直面内心的偏见和双重标准。作曲家莱翁卡瓦洛、马斯卡尼与普契尼等人把歌剧带入了20世纪。

在意大利之外，出生于匈牙利作曲家李斯特统治了19世纪下半叶的音乐界，为了充分表现死亡和命运的主题，李斯特用和声创造出令人不安的情绪，李斯特的创新有以下几点：

1、“魔鬼拥有最好的旋律”——李斯特的《死亡之舞》运用黑暗、深沉、突兀的和弦与琴弦摩擦声，他的快节奏恐怖音乐风格，启发了圣-桑的《骷髅之舞》和格里格的《侏儒进行曲》，并影响了现代的电影配乐人，例如鬼才音乐家丹尼·叶夫曼在《蝙蝠侠》电影中就运用了李斯特式的惊悚配乐。

2、“集会狂欢”——李斯特迫使钢琴制造商用铁质结构取代了木质结构。

3、“第一印象”——李斯特让声音像印象派绘画的颜色一样彼此融合，对年轻一代法国作曲家产生了巨大影响，特别是克劳德·德彪西。

4、“交响诗”——李斯特发明和命名了一种新的体裁“交响诗”，并赋予了它创造性的开局，他发明交响诗的意图，是将贝多芬笔下完善的四章节交响乐缩减变成浓缩的短篇，以表现非音乐类的艺术。他逐渐摆脱了“抽象音乐”的思想，他的交响诗只聚焦于一幅画面，一名角色或一种印象。他对于交响乐的贡献在于让它的重点从纯音乐转为描绘某种具体事物。李斯特笔下让人联想起戏剧场面的交响诗也是电影配乐技术的源头。

5、“惊悚音列”——李斯特在1857年的《浮士德交响曲》中有一个独特的小节使用了西式音乐里的全部音符而没有重复，这预示着整个西方音乐基础的崩塌，68年后的奥地利作曲家勋伯格提出了十二音音乐，在十二音列体系真正引起广泛关注时，李斯特已经去世。

6、“我命由我”——李斯特创作了《匈牙利狂想曲》。在李斯特的音乐中，民间音乐风格得到了明显的表露，可以说他是民族乐派的先声。

“民族主义音乐”或民族文化现象可能源于对国家和传统的深沉热爱，也源于人们对于外国强权压迫的反感，引人思考的是该纪录片讲到：“音乐民族主义”运动的作曲家，他们取材于听闻的民间歌舞，这些音乐的目标是那些主流观众，他们对农村文化并不真正感兴趣，这种将虚假的农民风格融入主流钢琴曲和交响乐的做法曾是不可阻挡的潮流。在我看来，并不是所有的民族乐派音乐作品都是虚假的融入农民风格，民族乐派在19世纪的出现不是偶然，是文化的轻松氛围，是思想的再一次解放，对民族音乐的进一步认识，它促使具有独特个性的音乐风格出现。俄罗斯作曲家格林卡曾说：“创作音乐的市人民，作曲家只不过是把它编一下而已。”这代表了格林卡的创作思想，他植根于俄罗斯民间音乐，旨在表现俄罗斯人民的生活。

然而这种民族音乐取材，并将它们融入主流音乐的做法引发了道德争议，尤其在美国，德沃夏克在旅居美国期间创作的第九交响曲《自新大陆》后来被填上了宗教歌词，让人误以为是从美国黑人灵歌里剽窃了旋律，这首交响曲引发了关于音乐归属权的激烈争论，当时美国官方推崇所谓“天命论”，允许白人殖民者为了一己之私暴力侵占北美土著的领地，吸收被压迫的非白人音乐。富人为了娱乐而使用穷人的音乐，还往往不经授权也不付钱，这种做法引发的道德争议直到今天也很激烈，特别是在蓝调，爵士和世界音乐领域。

7、“理查德·瓦格纳”——瓦格纳受李斯特影响最大，他是19世纪晚期音乐不可回避的存在。他在歌剧中大量运用减和弦与增和弦造成一种紧张、焦虑和不确定感，以渲染痛苦和悲愤，或作为不详的征兆。瓦格纳最有名的特里斯坦和弦也是借用了李斯特的减和弦，但他善于整合所属时代的各种风格和潮流。瓦格纳有意选择了一种重建歌剧的方式，他摒弃了歌剧咏叹调、二重唱、三重唱以及大合唱等分类，将各种元素糅合成一个整体，引入强大的音乐厅交响乐传统。他的雄心是开创一种未来的艺术形式，将所有的艺术融汇在一起，他运用“主导动机”构筑起整个音乐网络，用“半音化和声”，有意避免形成主调或主和弦，让音乐变得不稳定，更具异国风味。

瓦格纳的极端观点——反犹主义与德国之上主义在后来演化为思想之癌纳粹主义，他的庄严音乐在某种程度上成为了有史以来最危险的音乐。瓦格纳试图构想出一种未来的艺术，这其中包含所有艺术形式，以人类爱情、死亡和命运为主题，瓦格纳的宏伟蓝图虽然最终未顺利实现，但不可否认其在音乐领域所进行的种种突破与创新，正如勋伯格在1946年断言：“任何想取悦观众的人或者心怀观众的人都不是真正的艺术家。”

音乐纪录片《音乐的故事》，由英国音乐家、指挥家霍华德·古道尔（Howard Goodall）讲解，这部纪录片共有六集。第三集“The Age of Elegance and sensibility”（优雅与感性的时代），主要讲述的是18世纪下半叶和19世纪初的西方音乐。

18世纪下半叶和19世纪初活跃着一批欧洲音乐巨匠，如海顿、莫扎特、贝多芬、舒曼、舒伯特、门德尔松和肖邦等作曲家，他们生活在社会剧烈动荡的时期，包括独立战争和法国大革命，还有拿破仑战争等等。而乱世中的音乐愈发的雄壮、喧嚣和猛烈，这些都使得这个时期的音乐在各个方面得到了发展。

一、作曲家与听众之间的关系

18世纪之前作曲家们常用音乐来教化听众，而在18世纪中叶开始由于社会、政治、艺术都发生了颠覆性的变化。这一时期海顿、莫扎特等作曲家不再试图教化观众，而是精心呵护他们，这种宠溺观众的做法，彻底扭转了作曲家的社会地位。而这个过程始于海顿，由莫扎特发扬，最终传给贝多芬。甚至在贝多芬生活期间，作曲家们由门童转变成了贵客，音乐的功能和它的目标观众都发生了戏剧性的变化。

二、和弦的使用

和弦是所有旋律的基础，这时期作曲家将和弦由简单取代复杂。如在18世纪晚期的作曲家与先辈不同，他们认为可用的和弦太多，去掉很多和弦一样能创作，特别是让一组和弦接另一组和弦，他们把常用和弦减少到六个，反复使用的和弦则只剩三个，I-IV-V。霍华德·古道尔以格鲁克用《幸福精灵之舞》以及贝多芬的《第九交响曲》为例，为我们讲述I-IV-V在这个时期音乐作品中是至关重要的。并且霍华德·古道尔强调I-IV-V三个和弦，在当今的摇滚乐中也是不可缺少的和弦进行，并以Status Quo“Rocking All Over The World”为例。

三、交响曲的发展

1、在德国曼海姆拥有一个极负盛名的管弦乐队，其中以德国作曲家斯塔米茨为代表，斯塔米茨的交响曲多采用四乐章的结构，奠定了交响曲四乐章的形式。

2、海顿是交响曲最重要的塑造者和发展者，他确立了交响曲四乐章的结构与性质，并且海顿注重精炼的交响曲结构，还吸收了比例与平衡的思想。他那些标志性的平稳乐句，在细节上各不相同，使得其作品营造出了一种对称美，而不是简单重复。之后莫扎特、贝多芬的交响曲其后霍华德·古道尔以海顿的《第八十八交响曲》为例，霍华德·古道尔还提到海顿拥有将乐段整个成篇的技术，其本人非常擅长于延伸短旋律，之后的莫扎特、贝多芬几乎照搬了他的技术。

3、莫扎特八岁时，就采用海顿的创作形式。

4、（1）贝多芬将交响曲发展至新的高度，贝多芬虽在《第三交响曲“英雄”》的第二乐章中将葬礼进行曲，但是霍华德·古道尔认为这部作品的伟大，与它的新颖与结构或编曲技巧无关，也不是技术突破，而是他的态度。莫扎特和海顿揭示人类情感的时候，他选择了温和有礼的形式，而它的伟大在于它不妥协的严肃性。

（2）贝多芬把他的个性融入了他的音乐，不仅如此，他将大自然赋予了人性，成为艺术家情感的隐喻。在音乐界这股潮流始于贝多芬，如他的《第六交响曲“田园”》成为教会人们如何用音乐描写自然，借以表达心境的典范。

（3）贝多芬认为交响曲不仅是音乐，更是解读世界的工具，贝多芬对年轻音乐家的号召，获得了空前的响应，音乐为人类的团结服务。他的《第九交响曲“合唱”》宣告交响乐从此达到史诗级别，它结尾的赞歌《欢乐颂》如今响彻寰宇。

四、作曲家

1、海顿：18世纪奥地利作曲家，他在交响曲这一体裁上有重要的贡献，他的音乐对莫扎特和贝多芬产生了重要的影响。

2、莫扎特：18世纪奥地利作曲家，莫扎特是天生的天才，他的创作能力空前绝后，旋律在他的脑海里姿意涌现；莫扎特固然是天才，但是他也要依赖于既成的创作诀窍，以及古典音乐中的一些公式。如他创作是旋律是以重要的和弦为中心，而这个和弦无论是当年还是现在，都始终比其他和弦重要，在任何时期都属于主要的调，其为每个调中的C大三和弦；在他职业生涯的最后十年里，莫扎特当了自由职业者，并且在他之后，自由职业和多面节成为了常态。

3、贝多芬：是德国作曲家，贝多芬的信徒们认为他从头革新了音乐，实际上他与多数音乐家一样，处于他事业的初期，也是适应和迎合当时的音乐潮流。贝多芬在创作初期在一定程度上模仿了杜舍克以及海顿，在贝多芬中期时他创作了前辈们无法想象的音乐，其中突破框架的第一个重大标志是《第三交响曲“英雄”》（30:51）；贝多芬中晚期的音乐作品变得严肃真挚，毫不掩饰他用艺术改变世界的目标，很难说他是否改变了世界，但他确实改变了整个音乐理念，这就是贝多芬真正的意义。

4、舒伯特：19世纪奥地利作曲家，他的音乐很大程度上受到贝多芬的影响。此外，舒伯特有意模仿高水平民歌的创作风格，易于记忆，抒情直白，而且风格相对固定。某种意义上，舒伯特发明了three-minute voice and piano song( 三分钟钢琴伴唱)，这种形式至今非常很流行，如 Adele“Someone like you“ 就采用了这种形式。

5、门德尔松：19世纪德国作曲家，他常用音乐描述画面，如其作品《仲夏夜之梦》。此外门德尔松的音乐还可以表现戏剧、诗歌、绘画以及人物和地点，如序曲《赫布里群岛》。

6、肖邦：19世纪波兰作曲家，由于祖国波兰被俄罗斯帝国吞并，他不得不踏上流亡之路，肖把对故国的思念表现得细腻忧郁，贯穿于每一部钢琴独奏曲中。此外，肖邦的音乐，肖邦的音乐中有眼花缭乱的技巧，以及丰富而有层次的和声，这些都使得他成为浪漫主义早期重要的作曲家之一。

值得一提的是，19世纪之前男性作曲家占据主要地位，而19世纪后女性作曲家在这一时期地位得到提升，如门德尔松的姐姐-范妮，以及克拉拉等女性作曲家。

综上所述，18世纪到19世纪初是西方音乐史中非常重要的一个时期，这一时期出现了许多重要的作曲家和作品，以及这一时期社会的变革、音乐生活的变化，都很大程度上影响了之后音乐的发展。而本集记录篇都有所提及，所以非常值得我们去学习。

纪录片《音乐的故事》第四集的主题为“悲剧时代（The Age of Tragedy）”,讲述了19世纪下半叶至20世纪欧洲音乐的变迁。这一时期的音乐追求超自然爱情、宿命、死亡等主题，作曲家们迷恋于悲剧性爱情、命运等题材，这股风气最早要追溯到1829年，法国作曲家埃克托·柏辽兹创作的《幻想交响曲》，《幻想交响曲》的灵感来自《浮士德》的传说，作品具有自传性，极富戏剧性，使得大批19世纪的作曲家为之吸引。 歌剧作为当时大众性的娱乐，却并没有受到这股风气的影响，意大利歌剧中的悲剧，并不源于和魔鬼的交易，而是来自人类（男性）的恶行。19世纪下半叶，意大利歌剧的领头人物是朱塞佩·威尔第，一生创作了28部歌剧，并成功的将复杂情感和情节用动听、易学的意大利歌曲表现出来。于1853年首演的《茶花女》，即使放到现在也是十分受欢迎的，威尔第在创作这部作品时，是在当下流行的悲剧、命运题材中，又加入了性的元素，讲述了交际花维奥丽塔的悲剧爱情故事。威尔第为意大利歌剧创造了坚实的群众基础，并影响了后世一大批的作曲家，如莱翁卡瓦洛、马斯卡尼、普契尼等。 但在意大利以外，弗朗兹·李斯特统治了19世纪下半叶的音乐界，纪录片中一共讲述了他的七大创新：一、快节奏恐怖音乐风格。为了充分的表现死亡和命运主题，他用和声创造出令人不安的情绪，如作品《死亡之舞》，引发了惊悚的、万圣节式音乐的热潮；二、“集会狂欢”。李斯特利用钢琴弹奏出各种出其不意的音效，如作品《大加洛普舞曲》中的轻快讨喜风格。由于对钢琴的各种花式“敲击”，迫使当时的钢琴商将钢琴的木质结构换成了铁质结构；三、“第一印象”。李斯特创造出一种明亮闪耀的风格，使声音和谐的融合在一起，代表作品《喷泉》；四、交响诗。李斯特发明和命名了交响诗这一体裁，是一种单乐章的标题交响音乐，是按照文学、绘画、历史故事和民间传说等构思作成的大型管弦乐曲，李斯特共写下13首交响诗作品，音乐重点描绘某种具体事物。五、“惊悚音列”。在其作品《浮士德交响曲》中，开篇主旋律的12个音是用来西式音乐里的全部音符，且不重复，听起来并不悦耳，却是后世奥地利作曲家阿诺尔德·勋伯格提出的“十二音体系”的导火索，并且这一应用还牵扯出“民族主义音乐”；六、“我命由我”。李斯特在其故乡匈牙利爆发革命起义被镇压时，创作了钢琴组曲《匈牙利狂想曲》，引发了“音乐民族主义”运动，推动了19世纪许多经典音乐作品的诞生；七、理查德·瓦格纳。瓦格纳是受李斯特影响最大的作曲家，也是李斯特的女婿，他是19世纪晚期的音乐巨匠，虽然在作品中借用了许多李斯特的技法，但瓦格纳音乐中的旋律远胜于李斯特。 本集纪录片除了带领观众探究了这一时期音乐风格的发展，还加入了同时期丰富的音频、视频资料，以及大量的美术作品，带给观众强烈的视觉冲击，仿佛身临其境，观感极佳！

《音乐的故事（Story of Music）》在2013年首播，是一部音乐类纪录片，共有六集，每集时长约60分钟，由BBC制作，Howard Goodall讲解。第五集“The Age of Rebellion（反叛时代）”主要介绍了19世纪与20世纪之交音乐界的一系列反叛与颠覆，这是一个政治与音乐相互影响的革命时代。

这一时期各地域的音乐家在探索自己音乐风格的同时，音乐文化又相互融合，借助新发明电唱机、收音机迅速传播，刺激了蓝调、拉格泰姆乐、爵士乐的崛起，音乐经历了一系列重大变动，变化形式各种各样。

反叛时代体现在许多方面，叛乱的第一个目标是取代19世纪晚期的音乐巨匠理查德·瓦格纳。从法国开始，涌现了一批作曲家，他们的作品追求简洁和明晰，对德国音乐统治提出反抗。发起者埃里克·萨蒂在1888年创作的《吉诺佩蒂1号》打响了消除法国音乐中的浮夸繁复风的第一枪。

这场反瓦格纳运动的重要下一步发生在交响音乐领域，古斯塔夫·马勒接过瓦格纳在大型管弦乐和声乐领域的大旗，他的音乐以开放性著称，作品中引入各式各样的声响和节奏，交响乐中可以感受到犹太流浪音乐家的风格；他作品里逐渐成型的现代视角体现于毫不掩饰的真实与诚恳，用真正的磨难和欢乐来打动周围真实的世界，虽然马勒的音乐有悲伤和疏远的感觉，但也有一种难以置信、的对美好的希望。

马勒的音乐中还带有迷惑性，学院派叛乱应运而生，因为他的作品兼容并包博采民歌之长，也因为他试图传递强烈的情感，马勒的作品开始动摇传承百年西方音乐系统，代之以一套全新的体系，后来被称为序列主义或无调性，但最纯粹和严格的序列主义音乐在100年内都不能被普通观众理解欣赏，推崇它的作曲家也没法吸引主流观众。

理查德·施特劳斯是马勒之后德国首屈一指的作曲家，按当时的惯例，他的音乐生涯始于对李斯特的大力模仿和对瓦格纳的一点点参考，《查拉图斯特拉如是说》中著名的序曲《日出》被斯坦利·库布里克的电影《2001太空漫步》进行一步发扬光大；斯特劳斯也能创作忧伤的、马勒式的微妙音乐，歌曲《明天》是斯特劳斯给妻子的新婚礼物。但他也用一部野蛮、情色的歌剧《莎乐美》震惊了整个中产阶级并引发了轰动，并赋予了“不和谐音”这个词新的含义。

从这个历史时期来看，音乐似乎将永远臣服于巴赫在1700年开创的德奥两国风格的统治之下，不过一股新力量出现了，要论暴动，俄罗斯可以说自成一派。柴可夫斯基具有某种俄罗斯特质的东西，它孕育着未来革命的种子——舞蹈，舞蹈文化兴盛的结果是节奏开始改变音乐本身的特色，让它变得更加强健，有力，令人兴奋。舞蹈的节奏，是促成俄罗斯觉醒的第一因素，而改变旋律与和声的第二关键因素是对于俄罗斯自身宗教传承的重新关注，1880年间崛起的新一代作曲家把对于西欧音乐传统的兴趣转向了本国，特别是数百年历史的东正教圣歌，它们拥有深沉的低音部以及8或16音块状和弦。

莫杰斯特·穆索尔斯基是19世纪晚期最具原创能力的作曲家，他不再向西方寻求灵感，拥有新颖的思想，独立于同时期的作曲家，原因之一是穆索尔斯基没有读过音乐学院，也不是职业作曲家，他自学成才，尽管风格稚嫩，并在当时引来人们的嘲笑，但穆索尔斯基证明俄罗斯音乐可以走自己的路。穆索尔斯基的纯正俄式国剧《鲍里斯·戈都诺夫》加入了各种颜色、声音、闪光效果，回荡着钟声和管弦乐齐奏。

这场19世纪音乐叛乱的种子，许多都来自一场成果丰硕的展会——巴黎世博会，它在1889年于巴黎特罗卡迪罗广场举办，纪念法国大革命100周年。也正是在这里，俄罗斯以外的作曲家们第一次听到了穆索尔斯基的作品。其中之一是27岁的克劳德·德彪西，参观世博会改变了他的音乐和人生，从穆索尔斯基那里德彪西学会了一种创作音乐的新途径。不过改变德彪西音乐的最重要因素是世博会集合了全球各地的展品和文化设施，其中一座爪哇村庄甘美兰乐队的独特声效和音阶迷住了德彪西，他试图用钢琴再现这种东方音乐，第一个方法是运用五声音阶，第二个秘诀是让和声相互重叠，这为钢琴艺术开辟了新的领域，他主导的音阶与和声改革带来了听觉上的全新可能性，这也影响着音乐家们，特别是半个世纪后的爵士乐。

与此同时，巴黎世博会也让俄罗斯音乐登上了世界舞台，另一位活跃在圣彼得堡的音乐家尼古拉·里姆斯基-柯萨科夫。接过先辈们的火炬，挖掘斯拉夫民间文化宝藏，里姆斯基的歌剧中不仅引入民间故事剧情，更重要的是他开始借用俄罗斯民歌中的旋律成分。他引导学生伊戈尔·斯特拉文斯基为俄罗斯音乐开辟道路，当斯特拉文斯基借用俄罗斯民歌的时候，他并没有照搬，而是用某种恶作剧棱镜扭曲它们。他对音乐传统的反叛不止是奇异的音阶，或者被他加进管弦乐里的古怪叮叮当当声，斯特拉文斯基与前辈一样希望找到组织音乐结构的新方式，于是他创造出一种蒙太奇，一种听觉的拼图，把一段段不同的旋律突兀地串联在一起，从此看来，芭蕾这种短小、躁动、繁复片段构成的艺术是斯特拉文斯基天生的创作载体。他和所有俄国作曲家一样，着迷于舞蹈中的紧迫节奏，但他对于这种节奏做了不寻常的改造，把同步节奏叠加在一起，这种做法后来称为“复合节奏”。

托马斯·爱迪生在1877年取得了录音的发明专利，但事实上，第一次录音发生在将近20年前的法国。录音者是爱德华-里昂·斯科特·马丁维尔，他采用声波记振仪录音，发明家的目的是用图像的形式研究声音，不过它不能回放录音。声波记振仪的发明彻底改变音乐的历史，就在爱迪生发明可以回放录音的机器后，几乎每个国家都诞生了一批音乐研究员，走遍穷乡僻壤说服困惑的当地人为他们表演民歌，并录制和保存它们，这些实地的录音员们成功采集了一批民歌音乐。但录音技术的真正未来在于重现经典的流行音乐，录音技术的发明让1900年积累的巨大音乐宝库向全球数百万人敞开，极大扩展了他们的音乐视野，录音技术还把民俗音乐和民族音乐带到了广大观众面前，受到录音技术推动最大的音乐是非裔美国人的灵歌。

英王爱德华时期的塞缪尔·柯勒律治-泰勒带着自己的作品三次赴美演出，引发了轰动，其中一首作品里能明显听出一种音乐的早期风格，这种音乐后来成为蓝调，塞缪尔作品中的蓝调痕迹，是所谓的降级音，出现在三音和七音的位置，在曲调下行的时候尤其明显。早期的蓝调音乐家们为自己创造了独特且恒久的东西，在与蓝调差不多同时诞生的拉格泰姆音乐里也能看到相同的风格和传统。拉格泰姆又称格拉，起源于圣路易斯和芝加哥的酒吧妓院，是室内钢琴师们模仿19世纪80、90年代流行仪仗队风格的成果，这种风格在乐队指挥约翰·菲利普·苏沙的指引下达到巅峰。为达到乐队效果，钢琴师必须在琴键上大幅跨越，用左手做出极高雅的低音到和弦的反复动作。在伴奏上拉格泰姆钢琴师上还会加上一层动听的旋律，用它带动节奏，这种技巧称为切分音，拉格泰姆中引入的切分音，带来一种非常欢快的氛围，它源自步态舞的班卓琴或钢琴伴奏。伴随步态舞的还有一种拉个泰姆变体，它是钢琴或乐队伴奏的强力切分音形态，诞生于新奥尔良的斯托利维尔区，即爵士乐，从此以后，这种音乐获得了生命，随着新式蓝调和它的众多后代们，人们开始重新定义流行音乐。

只受过古典音乐教育的作曲家们，发觉自己逐渐变得不受欢迎，面对不同的音乐风格，大众倒向了流行一边，不过在当时，面对刺耳的现代主义与大众市场的联合反叛，古典主义还是翻出了一张王牌，它选择用怀旧来应对混乱与变革的世界，爱德华·埃尔加最有名的作品《谜语变奏曲》就是典型，随着欧洲帝国之间的最后摊牌日益临近，这首曲子让人们想起即将消逝的东西，从埃尔加到英国的沃恩·威廉斯，挪威的格里格，芬兰的西贝柳斯，意大利的雷斯皮基，俄罗斯的拉赫马尼诺夫以及德国的里查德·施特劳斯，似乎有一种温和，老派的忧郁音乐风格，在试图挽留时间和发展的坚定脚步，这些音乐在今天十分流行，证明了它们持久的魅力。

19世纪末叶至20世纪初叶的欧洲进入了“自由”资本主义向帝国主义过渡的社会大变革、大改组的时代。社会运动、哲学思潮、文艺流派等方面的革命实践也在这个时期产生和发展。在这些多重因素的影响下欧洲音乐艺术也出现了一些新的特征,形成了某些新的流派,对以后音乐的发展产生了深远的影响。